Comentario de texto ULYSSES

Ok, esto es una fucking obra de arte. Bustamante tendrá el resto de mis apuntes que seguramente les dará. Hay muchas cosas por completar de este comentario porque el texto es una mina de oro. De verdad, es una increíble pasada. Sé que sueno muy flipada, pero la literatura es una de mis pasiones y no puedo quedarme callada teniendo el gran Ulises de James Joyce delante. Es... increíble.

JAMES JOYCE: “ULISES”, final del monólogo de Molly Bloom.

Este texto es un fragmento del libro “Ulises”, escrito por James Joyce en 1922. La obra narra un día en la vida de Leopold Bloom, un agente de publicidad judío que encuentra al joven Stephen Dedalus, y pasa veinticuatro horas paseando con éste por Dublín, deseando no regresar a casa ya que su mujer Molly le es infiel.

Este fragmento pertenece al capítulo 18 del libro, que a su vez es el último. Todo el capítulo es un monólogo protagonizado por Molly Bloom recordando su primera unión con Leopold.

Esta obra puede ser considerada como la obra más característica e importante de la narrativa de principio del siglo XX. Las novelas del siglo XX están caracterizadas por emanciparse de las técnicas tradicionales, ya que la creciente influencia irracionalista supuso la introducción de nuevas técnicas en las novelas para captar esa realidad confusa e inestable que se percibía.

El tema principal del fragmento son los recuerdos desarticulados de Molly acerca de su primera unión con Bloom dieciséis años atrás y de su primera experiencia sexual en Gibraltar cuando era joven. Este fragmento podría estructurarse en dos grandes partes si tomamos como criterio la cronología: la primera parte correspondería a la primera unión con su marido dieciséis años atrás (1-9; 28-31); y la segunda parte correspondería a los recuerdos de su primera experiencia sexual en Gibraltar (9-28).

La obra pertenece al género de la narrativa, y tiene como subgénero la novela experimental influenciada por las vanguardias de principios de siglo. Por la creciente influencia racionalista, la realidad fue vista como algo confuso e inestable, y para reflejarla en las novelas fue necesaria la introducción de importantes cambios y técnicas en la narrativa. Temáticamente se da paso a lo onírico y el argumento clásico se desestructura, los personajes se convierten en anti-héroes, la linealidad temporal se rompe por completo y se comienza a practicar una sintaxis innovadora. Además se introduce la técnica del monólogo interior.

La forma de expresión predominante es el monólogo interior. Los pensamientos de Molly son narrados tal y como brotarían de su conciencia por ella misma. El monólogo interior consiste en la eliminación del narrador y la desaparición del interés argumental. El propósito del monólogo interior es el de revelar lo más íntimo del personaje. También se da la narrativa y la descripción.

El personaje principal del texto es Molly Bloom. Simboliza a la Madre Tierra, fértil y fructífera en todos sus aspectos, sobre todo en lo físico. Se trata de un antihéroe, una Penélope homérica infiel. Es una mujer fuerte y vital en contraposición con su marido. Tuvo un hijo con su marido once años atrás pero que murió, por lo que renuncia a mantener relaciones sexuales con su marido pero continúa teniéndolas con sus múltiples amantes.

Como personaje principal debería señalarse a Leopold, un agente de publicidad judío al que le gusta el alcohol y las jovencitas. Supone un alter ego del autor, es decir, un Joyce viejo.

El tiempo en el fragmento no es lineal. En el texto se combinan tres espacios cronológicos. El primer espacio es el ahora del protagonista, Molly Bloom en su cama, pensando. Mientras piensa recuerda su primera unión con su marido, dieciséis años atrás. Se produce pues un flash back. Seguidamente se vuelve a producir otro flash back dentro del primer flash back, mediante el que recuerda su primera experiencia sexual en Gibraltar de joven.

ESPACIO! APUNTES DEL COMUNISTA! (El comunista es un amigo mío, no se asusten... Bustamante les comentará lo que iría aquí) El espacio es propenso al amor!!

Los recursos estilísticos predominantes en el fragmento son el polisíndeton, la enumeración caótica, las metáforas y los símiles. El polisíndeton y la repetición continua del sí dotan al monólogo de un lenguaje oral, más bien de los pensamientos en la mente de Molly. Dan a su vez agilidad a la acción, y facilitan la enumeración caótica (línea 9 en adelante). La enumeración caótica es también una característica del flujo de pensamientos en la conciencia de uno. Las metáforas también juegan un papel simbólico importante en el texto: “Flor de la montaña” hace referencia a la virginidad de Molly. Los símiles comparan los distintos momentos cronológicos: “el mar a veces carmesí como el fuego”, “el corazón le corría como loco”, “los turbantes como reyes”.

El juego de la sintaxis por parte de Joyce en la obra no es gratuito. El uso de mayúsculas y minúsculas siempre simbolizará algo. El primer “flor de la montaña” que aparece, en la línea 4, hace referencia a su primera unión con su marido, pero que no fue su primera experiencia sexual. Se hace referencia a su primera relación sexual cuando Joyce escribe “Flor de la montaña”, esta vez en mayúscula para transmitir este concepto (línea 26).

VALORACIÓN

Comentario de texto de Victor Hugo

11. VICTOR HUGO: Nuestra Señora de París, Libro IV, “Capítulo 1”: “Las buenas almas”.

Este fragmento pertenece a la obra “Nuestra Señora de París”, escrita por Victor Hugo en 1831. Se trata de una obra ambientada en el París del siglo XV que narra la historia de un jorobado llamado Quasimodo y una gitana llamada Esmeralda.

La obra se divide en once libros. Este fragmento forma parte del cuarto libro, y cuenta cómo encontraron a Quasimodo en la catedral. En el fragmento se recrea un flash – black respecto al hilo cronológico de la novela, ya que se vuelve dieciséis años atrás.

Se trata de una obra propia del romanticismo francés, ya que se ambienta en un marco histórico medieval, el tema principal es el amor imposible que tiene como desenlace un final trágico. Además, está protagonizada por personajes marginados (jorobado, gitana).

El tema principal del fragmento es la aparición de Quasimodo en la catedral y la decisión de Claudio Frollo de adoptarle. El fragmento podría dividirse en tres partes: el primer párrafo corresponde a la introducción, en la que se nos describe el aspecto de Quasimodo; la segunda parte se encuadra entre la octava y la trigésima fila, en donde las personas allí presentes discuten sobre qué hacer con el niño y qué será de él. La última parte se extiende hasta el final del fragmento, nos cuenta cómo Claudio Frollo decide adoptar a la criatura.

Pertenece al género literario de la narrativa, y tiene como subgénero literario la novela histórica. La novela histórica nació de la mano de Walter Scott como una expresión artística del nacionalismo romántico y de su nostalgia ante los brutales cambios en las costumbres y los valores que supuso la transformación burguesa del mundo. El pasado se configuraba como una evasión que por otra parte permitía leer una crítica a la historia del presente.

La función de expresión predominante en el fragmento es la narración. Se utiliza un narrador omnisciente en tercera persona. También se da la descripción y el diálogo entre los presentes.

El espacio en el que se desarrolla la novela es el París del siglo XVI. En este capítulo se rompe la linealidad cronológica para volver dieciséis años atrás, cuando se encuentran a Quasimodo.

Los personajes principales son Quasimodo, un jorobado bajo y feo pero de buenas intenciones que como todos los personajes está marcado desde su nacimiento por la desgracia y un destino cruel, y Claudio Frollo, quién es el padre adoptivo de Quasimodo y se encuentra atormentado por una pasión que choca con su condición sacerdotal.

A lo largo del fragmento se aprecia poca presencia de recursos estilísticos relacionados con el plano léxico-semántico. Se trata de un texto marcado por la sobriedad. Sin embargo, cabe destacar el uso de enumeraciones (“de semblante severo, ancha frente y mirada profunda”, “el ojo lloraba, la boca gritaba y los dientes deseaban morder”), una característica principal de la narrativa de Victor Hugo.

Victor Hugo está considerado como uno de los poetas franceses más importantes, mas no sólo a nivel nacional sino que también mundialmente. Sus obras marcaron un decisivo hito en el gusto poético y retórico de las jóvenes generaciones de escritores franceses.

Comentario de Madame Bovary

12. GUSTAVE FLAUBERT: Madame Bovary. PARTE 1, “CAPÍTULO IX”.

Nos encontramos ante un fragmento de la obra Madame Bovary escrita por Gustave Flaubert entre 1851 y 1856. La obra narra la historia de Emma Bovary, una joven romántica e ilusionada con el amor y la pasión que se topa con la realidad de un insípido matrimonio que la ahoga, y busca sensaciones sobre las que ha leído en los libros románticos a través de aventuras. Finalmente, Emma insatisfecha termina suicidándose.

Este fragmento pertenece al inicio de la obra, más concretamente a la primera parte, capítulo IX. En este fragmento asistimos a los sueños deformados de la protagonista sobre su idea del amor y de la pasión, interpretada por París, en contraposición con la vida que lleva junto a su marido Charles.

Esta novela pertenece al movimiento de la novela realista. Causas históricas y sociales hicieron que Francia fuese la cuna del Realismo. Al exotismo y la fantasía romántica le sucedió entonces una literatura de corte realista, cuyo objetivo era describir la existencia en sociedad. Temáticamente, el adulterio y la crítica a la sociedad de la época fueron los temas más utilizados.

El tema principal del fragmento son las ensoñaciones románticas ce Emma, quien confunde la esencia del amor en contraposición con su aburrida y monótona vida. Emma confunde las sensualidades del lujo con el verdadero amor, lo que supone una feroz crítica por parte de Flaubert hacia la sociedad burguesa de su época.

El texto podría estructurarse en dos grandes partes. La primera parte se encuentra desde la primera línea hasta la 23. Ésta se subdivide en dos partes: 1- 17 se describe el lujo parisino donde Emma idealiza el verdadero amor; y de la 17 a la 23 se describe dónde se encuentra realmente el amor. La segunda parte se extiende hasta el final del fragmento, y en ella se contrapone el mundo parisino con la vida gris y aburrida de Emma.

La obra pertenece al género narrativo y tiene como subgénero la novela realista. El objetivo de la novela realista fue describir la existencia de la sociedad de la manera más objetiva, para así retratarla mucho mejor. En ella se lleva a cabo un profundo análisis psicológico de los personajes, quienes representan a todas las clases sociales con la finalidad de crear un arte útil para los lectores.

Las formas de expresión predominante es el narrador en tercera persona, de la manera más objetiva posible. También se describe detalladamente varios aspectos durante el fragmento. El espacio en el que se desarrolla el fragmento es París, y el tiempo es mediados del siglo XIX. El aportar datos de lugares reales y de costumbres reales dota de un gran realismo a la novela.

El personaje principal del fragmento es Emma Bovary, hija de un campesino acomodado y esposa de un médico mediocre. Se trata de una mujer sensual y romántica, que sueña con vivir grandes aventuras, pero al verse atrapada en una realidad insatisfactoria recurre a engañar a su marido. Finalmente, Emma decide suicidarse. En el fragmento se hace uso del personaje colectivo (embajadores, duquesas, gente de letras y actrices, pequeños burgueses mediocres).

Se trata de una novela de corte realista, por lo tanto la presencia de recursos estilísticos es muy pequeña. Aún así, los recursos más utilizados son la enumeración descriptiva asindética (“Allí había trajes de cola, grandes misterios, angustias disimuladas bajo sonrisas”), las metáforas (“todas las fiebres de la carne y las languideces de la ternura”) y los símiles (“París, más vago que el Océano…”, “Aquellos eran pródigos como reyes…”).

Junto con Balzac y Stendhal, Gustave Flaubert contribuyó a superar la novela romántica subjetiva, dando paso a una novela mucho más objetiva que retrató a la perfección a la sociedad burguesa de su época. Esto convirtió a Flaubert en un maestro de novelistas.

Comentario de Casa de Muñecas, Ibsen

HENRIK IBSEN: “Casa de Muñecas”

Nos encontramos ante un extracto de la obra “Casa de muñecas”, escrita en 1879 por Henrik Ibsen. Cuenta la historia de Nora, una mujer casada por conveniencia con Helmer. En una situación desesperada, Nora pide dinero a Kogstrad, quien años más tarde pierde su empleo y chantajea a Nora. Esto llega a oídas de su marido, quien lo califica como un acto de deshonra. Nora, al ver la reacción de su esposo decide abandonar el hogar familiar para marchar y reencontrarse consigo misma. La obra supuso un gran apoyo para los movimientos feministas de la época que ensalzaban la individualidad y la autonomía femenina.

Con este fragmento asistimos al momento culmen de la obra. Se trata de la escena final, en la que Helmer lee la carta de Kongstrad y se precipita un breve pero intenso y dramático desenlace por las contrapuestas reacciones entre Nora y su marido. Nora se da cuenta de la falsedad de su matrimonio, lo que hace que ésta se rebele y abandone su hogar.

Se trata de una obra perteneciente al drama realista moderno, con grandes dosis de realismo crítico. Refleja los problemas de la sociedad de la época a la vez que los critica. El drama realista moderno se caracteriza por reflejar a esa sociedad con el uso de temas cercanos al espectador, personificados por personajes con características propias de personas reales.

El tema principal de la obra es la ruptura de Nora con su marido al darse cuenta de la farsa de su matrimonio. Como tema secundario podría señalarse el honor, vinculado a la figura de Helmer. El qué dirán parece ser la única preocupación del cónyuge, más que los sentimientos de su esposa o las circunstancias que la obligaron a pedir el préstamo a Kongstrad. También destaca la crítica a los matrimonios por conveniencia que se practicaban en la época.

El texto puede dividirse en dos grandes partes: de la primera línea a la 22 se sucede la discusión entre el matrimonio. Acto seguido se desarrolla la segunda parte que se extiende hasta el final, y que es donde Nora le cuenta a Helmer su decisión de abandonar el hogar.

Se trata de una obra dramática que tiene como subgénero el drama realista moderno. Henrik Ibsen fue el gran fundador del teatro contemporáneo. Su increíble capacidad para profundizar en la psicología de los personajes y su compromiso con la realidad y conflictividad social de su tiempo le aporta un gran prestigio. Su obra se caracteriza por recrear ambientes, problemas y personajes de lo más reales cuyo objetivo es denunciar los problemas de su tiempo.

Al ser un teatro de corte realista la presencia de recursos estilísticos es muy escasa. Esto se debe a que posee un estilo natural y sencillo. El teatro realista puso fin al gran artificio romántico. Sin embargo, hay una alegoría a lo largo de la obra y del fragmento respecto a la casa de muñecas. Se pone en comparación la vida de Nora con un muñeca, fácilmente manipulable e incapaz de actuar por sí misma.

El fragmento presenta además rasgos característicos del lenguaje oral, como frases cortas e incompletas, vocativos, exclamaciones e interrogaciones e interjecciones. La forma de expresión predominante en el fragmento es el diálogo, cargado con un fuerte dramatismo emocional. Se describen también sentimientos y experiencias.

Ibsen no dudó en declararse públicamente partidario de que las mujeres y los hombres tuviesen los mismos derechos y obligaciones; e incluso colaboró con asociaciones feministas. “Casa de muñecas” ha sido considerada como un alegato a favor de la liberación de la mujer.

Desde un punto de vista literario, la obra supone el abandono de Ibsen del drama histórico y nacional, para hacer su incursión definitiva en el realismo crítico, construyendo una obra paradigmática.

Comentario de texto de Baudelaire

Este es el comentario que me cautivó. Es una delicia de texto. Este comentario es la interpretación que os hará Bustamante, pero este texto esconde muchísimas más cosas típicas del París de los años 20. En ese momento París era el lugar deseado por todos los artistas (Picasso, Dalí, Hemingway, Luis Buñuel, Gertrude Stein, etc). Imaginen el charlestón, el vino, las drogas como el opio... y cómo no, el sexo. Yo lo que entiendo en esta prosa poética es que nuestro amigo Baudelaire le está haciendo un trabajito a Jean Duval... Reflexionen sobre el factor de la humedad, el mar, etc. Los olores, y las trenzas negras... cunilingus vamos. Es fantástico. Imaginen la cara de Bustamante cuando le conté lo que yo entendía de este poema.

CHARLES BAUDELAIRE, “Un hemisferio en una cabellera” XVII.

Se trata de un poema en prosa escrito por Charles Baudelaire, y publicado póstumamente en 1869. Forma parte de una colección de cincuenta poemas en prosa poética titulada “Los pequeños poemas en prosa”, y que tiene como subtítulo “El Spleen de París”. El texto lleva como título “Un hemisferio en una cabellera”, y es el poema número XVII de los cincuenta que componen la obra.

La obra pertenece al movimiento literario simbolista. La poesía simbolista se originó en Francia y constituye uno de los movimientos artísticos más importantes del siglo XIX. En su génesis fue una reacción literaria en contra del Naturalismo y el Realismo. Busca vestir a la idea de una forma sensible. Además, utiliza el lenguaje literario como instrumento cognoscitivo, lo que la impregna de misterio y misticismo.

En este poema se desarrolla la relación de Baudelaire con la mulata Jeanne Duval, y las sensaciones que el cuerpo de ésta despierta en el poeta. El tema principal del poema es la petición del poeta a la amada de “respirar el olor de sus cabellos” para que a través de sus cabellos, pueda trasladarse en una especie de viaje por el océano de su cabellera (lo sensible) hacia lo espiritual, lo sublime, simbolizado por lo infinito del azul. El poema está a su vez cargado de gran erotismo y amor.

El poema en prosa podría estructurarse en tres grandes partes. La primera parte la conformaría las tres primeras líneas. Aquí se produce el ruego a la amada para que le permita recrearse en sus cabellos: “sacudir recuerdos al aire”. La segunda parte abarcaría los cinco siguientes párrafos. Es aquí donde el poeta narra los efectos, es decir, el viaje producido por esa relación que mantiene con la amada, y cómo a través del océano de su cabellera se traslada en el navío hacia lo infinito del azul. La última parte correspondería al último párrafo, donde se reitera la petición a la amada con la intención de eternizar el momento.

El género literario al que pertenece la obra es la lírica. Se expresan sentimientos y emociones subjetivamente, que están relacionados estrechamente con el tema del amor y el erotismo.

Esta obra representa la ruptura definitiva con las formas poéticas clásicas. Al estar escrito en prosa poética, se reduce la brecha que separa a lo prosaico de lo poético. El iniciador de la prosa poética fue Bertrand, pero Baudelaire fue quien revivió esta idea y le dio fama. Esta nueva forma de poesía influyó de forma enrome sobre sus poetas sucedáneos.

La forma de expresión predominante en el fragmento es la descripción detallada de los sentimientos y emociones que el poeta experimenta. El hecho de que el poema esté dirigido hacia la amada, y que tenga al poeta como emisor, recrea una complicidad especial entre la amada y el lector. Hace del poema un elemento privado y confidencial.

Los recursos estilísticos que más abundan en el poema son las metáforas (“Déjame respirar el olor de tus cabellos”), los símiles (“sumergir en ellos el rostro, como hombre sediento de agua de manantial”) y las sinestesias. Las sinestesias mezclan sensaciones de órganos sensoriales distintos, y parece estar basada en la facultad que poseen algunas personas de sentir percepciones sensoriales cruzadas: “Cuando mordisqueo tus cabellos elásticos y rebeldes, me parece que como recuerdos”.

El principal rasgo característico del poema es el inmenso bagaje simbolista que posee. Charles Baudelaire bautizó la “teoría de las correspondencias”, es decir, las secretas afinidades entre el mundo sensible y el mundo espiritual. El azul en el poema representa la espiritualidad. El azul es el color de un cielo situado por encima de nuestro mundo. Se trata pues de lo eterno e infinito, que supone una especie de gran goce para el poeta: “Tus cabellos contienen todo un ensueño, …, en que el espacio es más azul y más profundo…”, “cielo inmenso”, “eterno calor”, “en la noche de tu cabellera veo resplandecer lo infinito del azul tropical”.

Charles Baudelaire es considerado a día de hoy como el padre de la lírica moderna, y punto de partida del Parnasianismo, Decadentismo, Modernismo y Simbolismo. Es el poeta más significativo del simbolismo. Su oscilación entre los sublime y lo diabólico, lo elevado y lo grosero, el ideal y el aburrimiento angustioso se corresponde con un espíritu nuevo y precursor en la percepción de la vida urbana. Todo esto arcó el estilo de escritores venideros.

 Déjame respirar mucho tiempo, mucho tiempo, el olor de tus cabellos; sumergir en ellos el rostro, como hombre sediento en agua de manantial, y agitarlos con mi mano, como pañuelo odorífero, para sacudir recuerdos al aire.
 
      ¡Si pudieras saber todo lo que veo! ¡Todo lo que siento! ¡Todo lo que oigo en tus cabellos! Mi alma viaja en el perfume como el alma de los demás hombres en la música.
 
      Tus cabellos contienen todo un ensueño, lleno de velámenes y de mástiles; contienen vastos mares, cuyos monzones me llevan a climas de encanto, en que el espacio es más azul y más profundo, en que la atmósfera está perfumada por los frutos, por las hojas y por la piel humana.
 
      En el océano de tu cabellera entreveo un puerto en que pululan cantares melancólicos, hombres vigorosos de toda nación y navíos de toda forma, que recortan sus arquitecturas finas y complicadas en un cielo inmenso en que se repantiga el eterno calor.
 
      En las caricias de tu cabellera vuelvo a encontrar las languideces de las largas horas pasadas en un diván, en la cámara de un hermoso navío, mecidas por el balanceo imperceptible del puerto, entre macetas y jarros refrescantes.
 
      En el ardiente hogar de tu cabellera respiro el olor del tabaco mezclado con opio y azúcar; en la noche de tu cabellera veo resplandecer lo infinito del azul tropical; en las orillas vellosas de tu cabellera me emborracho con los olores combinados del algodón, del almizcle y del aceite de coco.
 
      Déjame morder mucho tiempo tus trenzas, pesadas y negras. Cuando mordisqueo tus cabellos elásticos y rebeldes, me parece que como recuerdos.

Simplemente exquisito. 

Comentario de texto de Kafka.

FRANZ KAFKA: “La metamorfosis”.

Nos encontramos ante un fragmento de la obra publicada en 1915 y escrita por Franz Kafka “La metamorfosis”. La obra nos narra la vida de Gregorio, un joven convertido en insecto, y cómo dicha transformación cambia sus costumbres y relaciones con el resto de su familia. Este individuo y sus experiencias personales son el objeto principal de la novela, más allá de la anécdota de la transformación.

Se trata de un extracto de las primeras páginas de la obra, del inicio de la novela. Es la mañana en la que Gregorio amanece convertido en insecto, y el apoderado llega a sy casa para averiguar por qué el joven no ha llegado puntualmente a trabajar.

Se trata de una obra característica del expresionismo alemán, movimiento cultural que surgió hacia 1910 como una reacción al impresionismo. Suele ser entendido como una deformación de la realidad para expresar de manera más subjetiva la existencia del ser humano dando primacía a la expresión de los sentimientos.

El tema principal del fragmento es el rechazo del apoderado, que pese a las súplicas de Gregorio no se digna ni a dirigirle la palabra y se marcha con idea de poner todo en conocimiento de sus superiores. Este tema simboliza la realidad de un mundo hostil, inaccesible e incluso agobiante.

Como  temas secundarios se aprecia la indefensión ante ese poder imperioso y autoritario, que dirige y manipula la vida de Gregorio. Además, el fragmento constituye una crítica al trabajo alienante y deshumanizado, en el que el trabajador pasa a ser una mercancía más. Gregorio no es para nada valorado por el apoderado. El interés de éste es simplemente averiguar por qué Gregorio no está desempeñando sus tareas y obligaciones. No le importa el ser humano en sí.

El texto podría estructurarse en tres grandes partes. La primera parte nos sirve como introducción, y constituye el primer párrafo. Se nos sitúa al protagonista ante lo que ocurre. La segunda parte constituye la intervención de Gregorio. Se dirige inútilmente al apoderado suplicándole que no le delate en el almacén para que así no le despidan. La tercera parte correspondería al último párrafo, en el que el apoderado desprecia a Gregorio y se marcha ignorando sus ruegos.

La obra pertenece al género narrativo, y tiene como subgénero el de la novela. La novela se convirtió en tiempos de los expresionistas en el método idóneo para transmitir su visión subjetiva de la realidad.

Las formas de expresión predominantes son la narrativa y el diálogo. La intervención de Gregorio supone ser un diálogo, ya que éste espera entablar una conversación con el apoderado. Sin embargo, el desprecio de éste supone que la intervención del joven se convierta en algo muy parecido al soliloquio. El narrador que narra los hechos se trata de un narrador omnisciente, que narra los hechos desde el punto de vista de Gregorio. Además se hace uso del estilo directo.

Toda la historia transcurre dentro de la misma casa. Se trata de un ambiente claustrofóbico que ayuda al aislamiento de los personajes. Las puertas juegan un papel simbólico. Según transcurre la historia, están se encuentran más cerradas, transmitiendo el creciente aislamiento de Gregorio. El tiempo es lineal.

Los personajes principales son Gregorio y el apoderado. Gregorio es un joven viajante de comercio encargado de sacar adelante a toda su familia. Su metamorfosis en insecto afecta notablemente a su personalidad. Su principal optimismo va transformándose en pesimismo a lo largo de la novela, debido sobre todo a su marginación y aislamiento. El apoderado es un personaje plano, no se nos dan características de él. Lo único que nos transmite es su preocupación de por qué su empleado no está desempeñando sus tareas. Deshumaniza a Gregorio, ya que su transformación le da completamente igual. Lo único que le preocupa es que su empleado no desarrolle sus obligaciones.

Como personajes secundarios habría que señalar a la familia de Gregorio y a su jefe, una figura con poder dictatorial que controla pero que no aparece en la historia.

Los recursos estilísticos predominantes en el fragmento son las interrogaciones de la intervención  de Gregorio, los apóstrofes que este reproduce al rogarle al señor apoderado y las metonimias: “sobre su propia carne”, “quemarse la suela”.

Tras la Segunda Guerra Mundial el expresionismo desapareció como estilo, pero ejerció una gran influencia en muchas corrientes artísticas de la segunda mitad del siglo, como el expresionismo abstracto norteamericano o el informalismo.

Comentario de texto de Ionesco

Tengo entradas para ver esta genialidad de obra aquí en Barcelona!! (Me imagino que piensan que cómo puedo ser tan friki... pero la literatura universal me llegó muy dentro jajajajaj... aiiisss busta)

EUGÈNE IONESCO: “La cantante calva”.

Nos encontramos ante un fragmento de la obra teatral escrita por Eugène Ionesco en 1950 “La cantante calva”. Este fragmento forma parte de la primera escena de once que componen la obra, las cuales se suceden sin ningún hilo argumental. En esta obra, se reproduce una divertida conversación de dos matrimonios burgueses (que vienen a ser los mismos), que mediante una absurda e incoherente conversación se describe la ridícula y fútil existencia humana en las personas incapaces de comunicarse.

Esta obra forma parte del movimiento llamado Teatro del Absurdo. Se caracteriza por carecer de significado y por tener fuertes rasgos existencialistas que cuestionan a la sociedad y al hombre. El principal objeto de crítica es la incapacidad de los seres humanos de comunicarse unos con otros. Desde el mismo título de la obra podemos apreciar ese carácter absurdo.

El tema principal del fragmento es representar la verdadera incomunicación humana a través de un diálogo incoherente y absurdo. De esta manera se critica a su vez la monotonía. Todos estos aspectos están marcados por una visión pesimista del ser humano (“cadáver viviente”) y la falta de sentido. Se critica también la alienación del ser humano, la conversión de la humanidad en una masa y la pérdida de identidad (“Como tenían el mismo nombre no se les podía distinguir”).

Estructurar el texto resulta una tarea complicada ya que el contenido de la obra no sigue ninguna línea argumental coherente. Los hechos ocurren sin respetar el orden tradicional de introducción, nudo y desenlace. Esta técnica supone un rasgo característico del teatro del absurdo, que propuso romper con los conceptos tradicionales del teatro occidental.

A pesar de la falta de conexión en el diálogo, pueden distinguirse tres bloques. El primer bloque va de la primera a la sexta fila, y el matrimonio Smith discute el hecho absurdo de que no aparezca la edad de los recién nacidos en los periódicos. El segundo bloque se extiende hasta la línea 21, y aquí el matrimonio habla sobre la muerte de Bobby Watson. El tercer bloque se extiende hasta el final, y se habla de la mujer de Bobby Watson, Bobby Watson.

El género al que pertenece esta obra es el género dramático, y tiene como subgénero la comedia. Está muy relacionada con el movimiento expresionista, ya que el autor deforma de manera asombrosa la realidad para transmitir sus ideas subjetivas. En este caso, esas ideas son una feroz crítica hacia la sociedad de su época.

Las formas de expresión predominantes en el fragmento son el diálogo en estilo directo que mantiene el matrimonio Smith, la descripción (Bobby Watson por el señor Smith), y la narración (se narra la muerte de Bobby Watson).

Se hace uso de un lenguaje coloquial y familiar, muy del lenguaje oral. Se trata de una conversación entre un matrimonio en un ambiente de confianza. El matrimonio se expresa de manera sencilla, algo que deja apreciar la cotidianeidad. Esto supone la ausencia prácticamente total de grandes recursos retóricos.

No obstante, puede apreciarse el uso por parte del autor de juegos de palabras, contradicciones en un mismo personaje (“Tiene facciones regulares, pero no se puede decir que sea bella. Es demasiado grande y demasiado fuerte. Sus facciones no son regulares, pero se puede decir que es muy bella”), antítesis y paradojas (“cadáver viviente”). Se persigue la comicidad a través de situaciones absurdas y grotescas.

El Teatro del Absurdo supuso una ruptura con los conceptos tradicionales del teatro occidental. Mediante la comicidad se consiguió criticar a toda una sociedad. Sin duda alguna, este tipo de teatro sigue haciéndonos reflexionar sobre nuestro papel en la sociedad, y ahí recae sin duda su gran importancia.